1986 durfte ich schon einmal über Cholud Kassem schreiben, die ich damals seit drei Jahren kannte.

[..] Sie ist nicht nur stark, sicher und frech, sondern auch nachdenklich oder traurig, und dann mag ich sie um so mehr. […]

Auch 36 Jahre später ist die Künstlerin der selbe liebenswerte Mensch, über den ich mich das zu sagen traute. Stark wirkt sie nach außen. Dass sie sensibel und verletzlich sein kann, kann man aus ihren Bildern lesen.

Die Serien

»Schutzlinge«, »Wudus«, »Dem Himmel sei Dank«, »Superkarmas«, »Burka Hidschab Nonnenschleier«. Das sind fünf der vielen Titel, die Cholud ihren Bilderserien gegeben hat. »Weeping Pillows« (Weinende Kissen) heißt die bislang jüngste, die in der Zeit der Lockdowns entstand.

Hier als Slideshow ein paar Arbeiten aus der Serie »Schutz- und Tarnhelme II«, 2017, Acryl und Wachsmalkreide auf Fotokarton, fotografiert hat Dorothea Burkhardt:

Manchen springen zuerst die Farben ins Auge, anderen die sinnbildlichen Formen. Cholud Kassem lässt dem Betrachter offen, was er sieht oder sehen möchte.

Veronika Haas fragte im Interview anlässlich des Literaturherbstes Heidelberg, ob Malerei für sie »stumme Poese« sei. Die gekürzte Antwort Choluds:

Es darf rätselhaft bleiben […] die Bilder können aber ganz bestimmt erspürt werden. Das ist doch dann wohl das Poetische, oder?

Von Bagdad bis Heidelberg

Ende der Fünfziger Jahre kam Cholud mit den Eltern nach Deutschland, dreieinhalb Jahre alt. Der Vater blieb mit den Kindern hier, die Mutter fühlte sich fremd und ging zurück nach Bagdad. Cholud sollte sie erst 40 Jahre später wieder treffen.

Der Vater war jung und studierte, und so wuchs Cholud bei Pflegeeltern in Viernheim auf, später in einem katholischen Kinderheim. Die Pflegeeltern hatten Hühner und Hasen, die Nonnen strenge Regeln und interessante Rituale. Auch wenn sie in der Schule nur im Fach Kunst gut abschnitt – dass sie einmal selbst Künstlerin werden sollte, war nicht vorgesehen: In Mannheim ließ sie sich zur Zahnarzhelferin ausbilden.

Doch ein Freund machte ihr Mut: Sie bestand die Begabtenprüfung und begann an der Pädagogischen Hochschule in Heidelberg zu studieren: Deutsch, Geografie und Kunst. In der Kunst fühlte sie sich sofort zu Hause. In Heidelberg bald auch.

Und es sollte noch eine ganze Weile dauern, bis die Arbeiten entstanden, die uns heute beeindrucken.

Die Themen

Die Titel der Serien geben Hinweise darauf, was Cholud beschäftigt: Jede Serie spiegelt auf ihre Art eine Epoche ihres Lebens, beschäftigt sich mit Erinnertem, Erlebtem. Das Malen hilft beim »Aufräumen«, hilft schöne und weniger schöne Erlebnisse zu sortieren.

Ich male gerne bis spät in die Nacht, und es ergibt sich dann oft dieser Zustand des ›Bei-sich-Sein‹, fast wie bei einer Meditation. An den Serien arbeite ich oft über Monate, oft auch Jahre… und während ich daran male, weiß ich oft selbst nicht ganz genau, warum mich während bestimmter Phasen in meinem Leben bestimmte Themen bewegen und trotzdem ihre Form finden. Erst im Nachhinein wird es mir deutlich, auch über Gespräche mit Betrachtern. Und erst zum Schluss erhalten die verschiedenen Serien ihre Titel.aus dem Interview zuM Thema Starke Frauen. Starke Künstlerinnen auf der Website literaturherbstheidelberg.de

Im Atelier

Und wie arbeitet sie? Einen kleinen Einblick schenkt das Video, das im Rahmen von »Auftakt Kunst« entstand, einem Corona-Soforthilfe-Projekt des Kulturamts der Stadt Heidelberg:

Zwischenbemerkung: Pellegrino Vignali und Cholud Kassem

2016 hatte Cholud einen Wunsch: Die Arbeiten des Italieners Pellegrino Vignalis sollten gemeinsam mit ihren zu sehen sein.

Vignali, einfacher Bauer, hatte im Alter begonnen, Gesichter, Tiere und Pflanzen zu schnitzen und zu malen. Einfach so. 1984 starb er.

Thomas Röske, Leiter der Heidelberger Sammlung Prinzhorn, und Studierende der Universität unterstützten sie bei ihrem Vorhaben: So kam eine Ausstellung im Haus Cajeth zustande.

Haus Cajeth in der Heidelberger Altstadt beschreibt sich selbst als: »Museum für primitive Malerei – Outsider Art«.

Die Kunst einer Lebenden und die eines Verstorbenen trafen sich. Das faszinierte mich: Verwandte Seelen sind nicht durch Zeit getrennt.

 

Al Watan – vom Reisen und Ankommen

Eine besondere Serie ist »Burka Hidschab Nonnenschleier«. Nach 40 Jahren hatte Cholud ihre Mutter wieder getroffen, von der sie in der Zwischenzeit nichts gehört hatte. Das Wiedersehen bewegte sie sehr, sie begann, auch ihre orientalische Herkunft in die Kunst einfließen zu lassen.

Vier Jahre später – in der Ausstellung »Al Watan – vom Reisen und Ankommen« – zeigte sie parallel zu ihren Malereien private Fotos in Form eines Videos. Das Plakat zur Ausstellung zierte ein Selfie im Auto mit zwei Tanten aus den Emiraten und aus der Türkei:

Die Ausstellung war bis vor Kurzem im Kunsthaus Viernheim  zu sehen. Viernheim, dem Ort der Kindheit. Hatte sich ein Kreis geschlossen? War sie angekommen?

Die Reise geht weiter. [..] Wenn Reisen und Ankommen im Leben ein abschließbarer Prozess sein sollten, dann wohl nur im Tod. Ansonsten würde ich sie wohl eher als einen ewigen Prozess charakterisieren.

Erfolg

Angekommen ist auf jeden Fall Choluds Kunst. Was sie vor dreißig Jahren selbst nicht geglaubt hätte, ist wirklich geworden. Dank diszipliniertem Arbeiten und dem Umstand, dass gute Freunde und Institutionen ihre Kunst förderten, kann Cholud heute als freischaffende Künstlerin leben.

Außer der Stadt Heidelberg und dem Landratsamt des Rhein-Neckar-Kreises haben inzwischen auch das Regierungspräsidium Karlsruhe und das Verteidigungsministrium in Berlin Arbeiten angekauft.

Erfolgreich sein kann müde machen. Oder eingebildet. Nicht Cholud: Sie bleibt bescheiden, menschlich und auch ehrgeizig. Die Anerkennung verleiht ihr zusätzlichen Schwung: Seit einiger Zeit ergänzt sie ihre Malerei mit neuen Techniken, plastische Arbeiten entstehen oder Videoproduktionen.

West German Pottery – Vasen – Work in Progress

In der Serie »West German Pottery« sind Vasen zu sehen. Vasen dienen als Behälter für Wasser und Blumen, gemeinsam mit diesen schmücken sie Räume. Cholud hat eine dritte Funktion entdeckt: Vasen speichern Erinnerung. Das Thema kommt bekannt vor.

Seit zwei Jahren trägt sie geerbte, gekaufte oder beim Entrümpeln gefundene Vasen zusammen und notiert die Geschichten, die Menschen über diese erzählen. Was daraus entstehen wird? Wir sind gespannt

Links

• Website Cholud Kassem
• Kunsthaus Viernheim
• Auftakt Kunst, Corona-Soforthilfe-Projekt des Kulturamts der Stadt Heidelberg, Film über Cholud Kassem auf YouTube
• Literaturherbst Heidelberg, Starke Frauen, Interview mit Cholud Kassem

Noch ein kurzer Hinweis zum Schluss: Im wunderschönen Kunstraum Vincke-Liepmann in Heidelberg wird im Frühjahr 2023 die nächste Ausstellung Choluds zu sehen sein, die fünfte bereits in diesem Haus. Der genaue Termin steht noch nicht fest. Wir werden ihn rechtzeitig auch hier bekannt geben.

Nachtrag: Artikel im Boesner Kunstportal (September 2023)

Julia Behrens hat im boesner Kunstportal hat ein schön geschriebenes Portrait über Cholud veröffentlicht, Titel »Im Schutz des Rituals«.

Zum Portrait auf der Website boesner

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Von Zeit zu Zeit stellen wir in dieser Rubrik Künstlerinnen und Künstler vor. Maler:innen, Bildhauer:innen, Musiker:innen – wir sind da vollkommen frei. Treu sind wir nur unserem Motto: Bilden schützt.

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Im November schrieben wir über die junge Künstlerin Iva Todorova. Heute ist es Zeit, ihren Entdecker und Förderer selbst vorzustellen: den Maler, Bildhauer und Meister der Corrugated Art Juergen E. Stolte.

Gernsheim

Bei Kilometer 461,7 verbindet eine Fähre Rheinhessen mit Gernsheim. Dort ging Juergen zur Schule. Die Stadt ist klein, und so traf er oft Werner Böttiger, der Straßenszenen malte und den neugierigen jungen Mann über seine Schulter schauen ließ: Die beiden freundeten sich an.

Im benachbarten Biebesheim richtete Juergen sein erstes Atelier ein, malte mit Öl, zeichnete, arbeitete mit Objekten aus Stein oder Holz und lernte von Werner Böttiger technische Kniffe.

Die Pappe

Gleich neben dem Atelier gab es ein Wellpappenwerk, das zu einer Besichtigung einlud.

Das deutsche Wort Wellpappe klingt trocken, und sicher assoziieren viele den Geruch einer Lagerhalle, wenn sie es hören. Doch Juergen Stolte hatte eine Idee: Er begann, das für Verpackungen gedachte Material ganz anders zu nutzen. Anfangs schlicht als Leinwand für seine Malerei. Doch bald wurde die Pappe selbst immer wichtiger.

Decollagen und Corrugated Art

Ein Bild zu verändern, indem man Teile davon abkratzt oder auf andere Art entfernt nennt man Decollage. Die Künstler des Nouveau Réalisme haben die Technik populär gemacht: in den fünfziger und sechziger Jahren des letzten Jahrhunderts.

Welches Material wäre besser als Wellpappe geeignet, dass man unter die Oberfläche schaut? Nachdem Juergen Stolte seine farbenfrohen, »schönen« Bilder darauf gemalt hat, reißt er das Papier ein oder traktiert es mit dem Skalpell. Die gemalten Menschen oder Dinge scheinen freigestellt, treten klarer hervor – und sind gleichzeitig entblößt, verletzt.

Von fern wirken vor allem die Töne der Wellpappe: ocker, beige oder sandfarben. Wer näher tritt, dem zeigt sich die Struktur des Untergrunds, den Juergen wie ein Archäologe freigelegt hat: die Wellen des Industriematerials.

Wellpappe heißt auf englisch Corrugated Paper. Das klingt beinahe melodisch. Genau wie Corrugated Art, wie Juergen seine Kunst nennt.

Kunst und Industrie

Die Firma Zewawell und der Verband der Wellpappenindustrie (VdW) begannen, sich für Juergens Kunst zu interessieren. Sie unterstützen ihn und kauften Arbeiten. Ausstellungen folgten: im Kunsthaus Wiesbaden, im Heimatmuseum Gernsheim, beim Werkbund Frankfurt, in Mannheim oder im Institut für Neue Technische Form in Darmstadt. Juergen Stolte gelang es, in seinen Arbeiten Industrie und Kunst zu versöhnen.

Später ging er nach Italien und Chicago, immer neue Inspiration suchend. »In Amerika funktioniert die Industrie anders als in Europa«, sagt er heute. Seine Arbeiten seien schneller geworden und widersprüchlicher.

Auf jeden Fall wurden sie aufregender: Außer seinen »klassischen« Wellpappearbeiten erstellt Juergen Reliefs, Bildtafeln, nimmt Vorlagen aus dem Barock, die er in seine Kunst einbaut, schafft Skulpturen aus Pappe (die größte fast drei Meter hoch) – immer auf der Suche nach neuen Ideen und Techniken. So knotet, härtet und klebt er Papier, baut es in seine Arbeiten ein. Den dafür notwendigen Kleber mixte ein befreundetes Labor. Und da ist sie wieder: die Verbindung zur Industrie.

Die Wellen und die Insel

Juergen scheint nicht nur mit der Pappe, sondern auch mit den Wellen an sich verbunden. Den Rhein fast 300 Kilometer stromabwärts seiner Heimat liegt Düsseldorf: Eine Zeit lang arbeitete er dort, förderte gezielt auch andere Künstlerinnen und Künstler.

Heute wohnt er am Meer. Sein aktuelles Atelier steht in Palma de Mallorca, die Arbeiten spiegeln das Wasser, die Wärme und das mediterrane Licht.

Themen gibt es genug. Neugierig und unruhig scheint er kaum Pausen zu machen: Auf seinem Instagram-Kanal zeigt er täglich neue Bilder oder Skulpturen. Dabei ist jede Arbeit anders. Die eine einfach nur schön, die andere verstörend, sei es, dass klar wird, wie verletzlich die gemalten Figuren sind, oder dass wir erkennen, wie respektlos wir mit dem Schönen oder unseren Ressourcen umgehen.

Aber Juergen will nicht missionieren. Seine Kunst bleibt spannend, er selbst bescheiden:

Wenn jemand ein rotes Bild von mir kauft, weil er im Haus ein rotes Sofa stehen hat, kann ich damit leben. Ich habe meine Arbeit abgeschlossen.

Ausstellung ab dem 29. Juli 2022

Während der letzten beiden Jahre gab es nicht viel Gelegenheit, Bilder und Skulpturen live zu erleben, wir erinnern uns. In Spanien herrschten zeitweise strengere Regeln als in Deutschland. Deshalb freuen wir uns unso mehr:

Iva Todorova und Juergen E. Stolte zeigen ihre neuesten Arbeiten gemeinsam: in der Ausstellung »Reflection«, 30 km westlich von Palma de Mallorca, vom 29. Juli bis zum 7. August. Auch wenn das Neun-Euro-Ticket nicht auf den Balearen gilt: Vielleicht findet der ein oder andere den Weg – und wir treffen uns.

Arte Casa Gallery
Avenida Mateo Bosch 26
07157 Port d’Andratx
Mallorca

Links

• Corrugated Art – Juergen E. Stoltes Website
• Juergen E. Stolte auf Instagram

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Ende April hatten wir in unserer Reihe Talent des Monats die in Irland aufgewachsene Künstlerin Mary O’Connor vorgestellt. Ein paar Tage später bewunderten wir ihre neuesten Collagen live auf der Discovery Art Fair in Köln. Wir haben noch einmal nachgefragt, wie die Messe für sie verlief.

Per E-Mail hat sie sich auf ihre eigene liebenswerte Weise bedankt:

It’s nice to hear from you […]

I sold 6 collages, which I‘m very happy about, I was told that it represents an entire booth, which is true considering the size’s of the pieces. Maybe this is worth mentioning. I am extremely happy with this even though I didn’t sell my largest piece but came close several times , it seems it was for Cologne a tic too large. […]

I want to take this opportunity to thank you again for your unwavering support I really appreciate it ?

Wir danken Mary für das tolle Feedback und wünschen ihr weiter viel Erfolg mit ihrer Arbeit.

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Musik im Konzertsaal zu erleben ist etwas anderes, als sie aus dem Radio oder gar übers Internet als mp3-Datei  zu hören. Auch ein im Buch oder als Plakat abgedrucktes Gemälde hat nicht die Kraft, die das Original ausstrahlt. Von Skulpturen wollen wir gar nicht erst reden.

Die Collagen der sympathischen Künstlerin Mary O’Connor zählen zu den Arbeiten, die man live sehen muss. Schon aus der Ferne bezaubern die Farben. Doch erst wenn man näher tritt, begreift man ihre ganze Schönheit.

Auch moderne Displays können das Spektrum der Farben kaum wiedergeben, spätestens am verwendeten Blattgold müssen sie scheitern. Deshalb zeigen wir in diesem Beitrag nur drei Arbeiten – allesamt aus der Serie Divine Forest (auf deutsch Göttlicher Wald).

Wem sie Appetit auf mehr machen, dem bietet sich am kommenden Wochenende (28. April bis 1. Mai 2022) die einmalige Gelegenheit, die Discovery Art Fair Cologne zu besuchen. Dort wird Mary ihre Arbeiten zeigen. Zum bisher zweiten – und hoffentlich nicht zum letzten – Mal.

Aber der Reihe nach:

Galway

Four Green Fields nannte Tommy Makem in seinem Lied die vier historischen Provinzen Irlands. In der nordwestlichsten, Connacht, liegt die kleine Stadt Galway – ungefähr auf halber Strecke des Wild Atlantic Way (Slí an Atlantaigh Fhiáin), heute mit über 2500 km eine der längsten zusammenhängenden Küstenstraßen der Welt.

Dort, in Galway, kam Mary O’Connor 1975 zur Welt – als eines von sechs Kindern. Für sie ein Privileg: Sie durfte in der einmaligen Landschaft am Meer aufwachsen, die Schönheit der rauen Küste erkunden, unter die Steine am Silverstrand Beach gucken und die Tierwelt bewundern. Die zerklüftete Westküste ist für sie alles gleichzeitig: grausam, ungefesselt, tröstlich und bezaubernd.

Nature – the most powerful and appreciated muses known to man – has influenced my art both past and present as I am to draw attention and to gain appreciation for the beauty it so graciously provides.

Viel Zeit verbrachte sie dort mit ihrem Vater, wenn der nicht gerade auf Tour war, die irischen Küstenorte mit Paddy Irish Whiskey oder anderen Spirituosen zu beliefern. An ihm bewunderte sie das Talent, scheinbar nutzlosen Dingen auf kreative Art neuen Sinn zu schenken. Dingen, an denen andere achtlos vorbeigingen. Uns scheint, dass sie es geerbt hat.

Self Taught Artist

Natur und Vater inspirierten Mary O’Connor von Anfang an. Doch es dauerte noch, bis sie begann, die Collagen zu gestalten, die wir heute als Unikate bestaunen können.

Fünfzehn Jahre lang war Mary O’Connor Head Visual Merchandiser des wichtigsten Hauses der Modekette Zara in Frankfurt am Main, bevor sie nach Calamine zog, einem kleinen Ort in Belgien, direkt neben Aachen und nah an der niederländischen Grenze. Was in Irland die Küste, sind hier die Wälder:

I especially love the natural muffled smell of nature after it has rained. This is the time I can mostly observe the landscapes textures and colors as they are unveiled, vibrant and deep.

In Kumulus (einem Kunstzentrum in Maastricht), lernte sie viel über gestalterische Grundlagen und Technik, nach Beginn der Corona-Pandemie bildete sie sich online weiter.

Die Collagen

Für viele Künstlerinnen und Künstler bedeutete der Lockdown eine besonders schwere Zeit. Mary nutze ihn und arbeitete intensiv daran, ihr Hobby zum Beruf zu machen. Sorgfältig wie sie schon bei Zara mit Farben und Stoffen umging, so detailliert und genau arbeitet sie heute mit den unterschiedlichen Materialien an ihren Collagen.

Diese leben vom feinsinnigen Umgang mit Materialien und Farben ebenso wie von Ausdauer und Beharrlichkeit die schon dem Vater eigen waren, wenn er aus einem Guiness-Fass einen Grill baute oder Reste von Mooreichen sammelte und daraus Pflanzentöpfe schuf.

Ob Altpapier oder Seidenpapier – Mary O’Connor schafft sich ihr eigenes Material, verwendet ausgeklügelte und selbst erfundene Techniken. Ganz wichtig die vielen transparenten Schichten: Schritt für Schritt haucht sie so den organischen Bildern Leben ein. Und wir können kaum anders, als näher zu treten, noch einmal intensiver  zu gucken, bis wir glauben, das Moos und die Rinden riechen zu können, in all ihrer – teils morbiden – Schönheit.

Das Gold

Eine besondere Bedeutung hat das Blattgold. Sie vewendet es, seitdem sie von einer Reise in ihre Heimat zurückkam und ihr klar wurde, dass sie die in irischen Häusern üblichen wärmenden Kaminfeuer schon lange vermisst hatte:

The use of gold leafing in my art work originated after returning from a visit to Ireland 5 years ago where I realised how much I had missed the welcoming glow of an open wood burning fire place, which is a common staple in an Irish home.

Was erwartet uns in Köln?

Im neuesten Projekt geht es um die durch Klimawandel bedrohte Natur, in die sie bei ihren täglichen Wanderungen eintaucht: um Rinden, umgestürzte oder beschädigte Bäume, Baumstümpfe, die immer noch Kraft und Würde ausstrahlen. Sie stehen für Chaos und die Zerstörung des Lebens. Und trotzdem: Wieder gilt es, genauer hinzuschauen, um zwischen den Ritzen, die die Hoffnung darstellen, eine neue Saat zu entdecken.

My current project is collage depicting a forest environment of fallen trees and bark structures. This is the nature I am immersed in my daily hikes. Some of the trees i recreate are partially damaged but remain magnificient. I do this to draw attention to the destructiveness of climatre change and to evoke empathy from the viewer but also to illustrate the strength and dignity in nature no matter what condition it appears to be in. For me broken down, damaged tree stumps depict life’s chaos and destruction. However the transluent layering I employ invites the observer to take a closer look for a new seeding being nursed to life between the crevices which depict hope.

Wir sind gespannt auf das kommende Wochenende!

Mehr

• Mary O’Connors Website​
• Mary O’Connors Instagram Account
• Discover Art Fair Cologne
• Discovery Art Fair Frankfurt

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Discovery Art Fair Frankfurt

Die Messe im November 2021 war nicht so stark besucht wie die früheren aus der Zeit vor Corona. Für die  Künstlerinnen und Künstler eher suboptimal, für uns prima: Die Ausstellenden hatten mehr Zeit für persönliche Gespräche – und wir mehr Muße zum Entdecken. Zwischen den Figuren des Skulpturenzyklus Edenmenschen trafen wir deren Erschaffer: Achim Ripperger, dessen Arbeiten wir heute zeigen:

Edenmenschen – living sculptures

Die Edenmenschen Achim Rippergers könnte man ganz einfach als Holzskulpturen beschreiben, die gleichzeitig als Insektenhotels dienen. Jasmin Schülke, Kunsthistorikerin und seit August 2021 Chefredakteuein des Journal Frankfurt sieht viel mehr darin:

Es sind moderne Heiligen-Figuren, die nicht in Kirchen, sondern in Gärten stehen. In ihren Öffnungen können Insekten eine Heimat finden und zugleich der Figur zur Lebendigkeit und  zur Ganzheitlichkeit verhelfen, indem sie die Löcher mit ihren Körpern verschließen. Im »Edenmenschen« verschmelzen Kunst und Natur miteinander […]

Als erstes bearbeitet Achim Ripperger einen Baumstamm mit der Motorsäge. Die dabei entstehende Skulptur versieht er später nach einem ausgeklügelten Plan mit Bohrlöchern unterschiedlicher Stärke: Es entstehen Behausungen für Insekten – zusätzlich zu den bereits im Holz vorhandenen Rissen, Spalten oder Hohlräumen.

Als letztes kommt Farbe hinzu, so dass die Figuren »an klassische Steinskulpturen erinnern, Heiligenfiguren aus Holz«, wie Jasmin Schülke schreibt. Die – verglichen mit solchen aus Stein – deutlich schneller verwittern:

Die »Edenmenschen« sind allansichtig, die Insektenlöcher sollten jedoch zur Sonne ausgerichtet werden. Aus Holz geschaffen, ist der »Edenmensch« aus der Natur entstanden und wird sich auch wieder in ihr auflösen. Er bereichert und wird bereichert. Er nimmt in sich das Leben auf und ist im Einklang mit allem was lebt.

Ausstellung im Botanischen Garten

Im vergangenen Sommer konnte man die Edenmenschen in paradiesischer Landschaft bewundern – ausgestellt im Botanischen Garten in Frankfurt. Auf dessen YouTube-Kanal findet sich ein kurzes Video dazu:

Spiekeroog 2022

Für alle, die die Edenmenschen in diesem Jahr »live« sehen wollen: Ab Mai 2022 wird eine Auswahl der Figuren auf Spiekeroog zu sehen sein – für ein ganzes Jahr lang werden sie dort den Nordseewind genießen. Zusätzlich wird Achim Ripperger ab Ende April dort eine Großskulptur schaffen, die auf der ostfriesischen Insel bleiben wird.

Art Moves Europe

Achim Rippergers Talent zeigt sich nicht nur in seinen Skulpturen. Auch seine Grafiken und Malereien sind es wert, gezeigt zu werden.  Ehemals als Kreativer in der Werbung beschäftigt, geht er immer wieder andere Wege. Wichtig dabei: mit Menschen ins Gespräch zu kommen, gleich wo auf der Welt, denn »dadurch kommen Gedanken ans Licht«.

Und Achim Ripperger engagiert sich in vielen Projekten. So zum Beispiel im Verein Art Moves Europe, den er mitgründete, und dessen stellvertretender Vorsitzender er ist. Die Idee des Vereins: Künstler wollen wieder für die Europäische Idee begeistern. Von Achim Ripperger stammt unter anderem die Marmorskulptur Säule der Freiheit, die in Spüdtirol zu sehen ist, genauer gesagt in der Via Claudia Augusta in Laas (Vinschgau).
Die Europa-Union würdigte seine künstlerische Leistung und seinen damit verbundenen Winsatz für Europa: Sie ernannte Achim Ripperger 2021 zum Europa-Künstler – als Teilnehmer des Gruppenprojekts In Vielfalt vereint von Art moves Europe e. V.

Mehr

• Achim Rippergers Website​
• Art Moves Europe
• Achim Ripperger auf der Website der Discovery Art Fair
• Beitrag des Hessischen Rundfunks über Achim Ripperger in der Sendung Alle Wetter. (noch bis zum 30. August 2022 in der Mediathek zu sehen, ab Minute 0:13).

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Kennen Sie Talente, die bisher noch keine Gelegenheit hatten, ihre Arbeiten zu zeigen? Oder solche, denen die Pandemie wenig Chancen ließ, neues Publikum zu erreichen? Gerne nehmen wir Anregungen auf.

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Aber es gibt da noch etwas, das speziell die Seele wärmen kann (übrigens nicht nur in Skandinavien und nicht nur zur Wintersonnenwende). Musik:

Von der Geige zum Akkordeon

Schon mit sieben Jahren spielte Christina Lundqvist aus Karlstad Geige, zusammen mit ihrem Großvater, der sie dafür begeistert hatte. Später entdeckte sie das Akkordeonspiel und ist darin zu einer Meisterin geworden.

Als Musikerin tritt sie heute in unterschiedlichen Formationen auf – zu Kirchenkonzerten, Hochzeiten und wann immer Menschen gemeinsam feiern.

Folkmusik – Folkemusikk

Folkmusik ist das schwedische Wort für Volksmusik, Folkemusikk das norwegische. Christina Lundqvist spielt vor allem Volksmusik aus Värmland, einer historischen schwedischen Provinz, die in der Vergangenheit zeitweise zu Norwegen gehörte und deshalb auch stark von dessen Musik beeinflusst ist.

Riksspelman

Riksspelman genannt zu werden (wörtlich übersetzt etwa Reichsspieler) ist eine besondere Auszeichnung in Schweden. Christina Lundqvist erhielt den Zornmärket i silver (Zorn-Abzeichen in Silber) in 2015 für die von ihr gespielte Musik aus Värmland. Sie ist damit eine von nur zwei Frauen, die diesen Titel für das Durspel, eine ältere und kleinere Art des Akkordeons, in Schweden führen dürfen.

Der Maler und Bildhauer Anders Leonard Zorn hatte den Preis zu Beginn des 20. Jahrhunderts ins Leben gerufen. Der Künstler, der von 1860 bis 1920 in der historischen Provinz Dalarna lebte, wollte vor über hundert Jahren herausfinden, wie viel von alten lokalen Bräuchen und Musik noch erhalten war – mit dem Preis stärkte er die ursprüngliche Volksmusik, die für manche durch Einflüsse neuer Musik zu verwässern drohte.

Hören

Zeit für Musik: Die Aufnahme auf YouTube entstand während eines Musikifestivals im Ransäter Hembygdsgård, einem einmaligen Gehöft und Heimatmuseum im Herzen Värmlands. Christina Lundqvist spielte gemeinsam mit norwegischen und schwedischen Freunden, und wer genau hinguckt, sieht die Menschen im Hintergrund zur Musik tanzen:

An den Akkordeons: Tone Norheim Klausen, Lars Petter Westli und Christina Lundqvist, am Bass Håkan Hjerdt und an der Gitarre Roine Olsson.

CDs mit Silva Musica

Der norwegische Musikverlag norilds hat drei CDs mit Christina Lundqvist produziert. Auf zweien davon spielt sie mit der Gruppe Silva Musica, die sich der traditionellen norwegischen und schwedischen Tanz- und Fiedlertradition verschrieben haben. Besonders schön: die Live-CD Gammaldans frå grensetraktene (zu deutsch etwa Alte Tänze aus den Grenzregionen).

Weitere Kostproben Christina Lundqvists können auf auf spotify gehört werden oder auf dem Themen-Kanal in YouTube

Risberg Herrgård

Von traditioneller Musik alleine können nur wenige leben: Genau wie Musik kann aber auch eine schöne Umgebung Herz und Seele wärmen: Seit einigen Jahren betreibt Christina Lundqvist Risberg Herrgård, ein altes Gut in Värmland, dessen Wurzeln ins 16. Jahrhundert zurückreichen. Das Gut dient heute als traumhafte Unterkunft für Urlauber oder Geschäftsleute.

Christina Lundqvist über sich selbst:

Jag blir inspirerad av människor som har en vilja och som vill skapa. Oavsett om det är musik eller i sitt »vanliga« yrke. Jag älskar att utveckla företag och se människor växa som personer i sina roller. När jag är ledig ser jag till att fylla på mina batterier med massor av ny energi. Energi som jag bland annat får från musiken och att arbeta på vår gård.

Ich lasse mich von Menschen inspirieren, die einen Willen haben und etwas schaffen wollen. Sei es in der Musik oder in ihrem »normalen« Beruf. Ich liebe es, Unternehmen zu entwickeln und zu sehen, wie Menschen in ihren Rollen wachsen. Wenn ich frei habe, sorge ich dafür, dass ich meine Batterien mit viel neuer Energie auflade. Energie, die ich unter anderem aus der Musik und der Arbeit auf unserem Bauernhof beziehe.

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Während uns der November in Deutschland eher mit grauen Tagen beglückt, wagen wir zumindest virtuell einen Blick nach Süden – nach Palma de Mallorca: Dort lebt und arbeitet die junge Künstlerin Iva Todorova.

Iva Todorova (Ива Тодорова) – Malerin

Vor ein paar Jahren führte Juergen Stolte, Bildhauer und Maler aus Gernsheim, in Düsseldorf eine Produzentengalerie, in der er bis dahin unbekannte Künstlerinnen und Künstler ausstellte. Vor allem osteuropäische interessierten ihn und so fiel sein Blick schnell auf die junge Bulgarin.

Diese zögerte nicht lange und brachte ihre Arbeiten gleich selbst nach Düsseldorf. Jürgen erkannte ihre außerordentliche Begabung, schnell entwickelten beide eine fruchtbare Zusammenarbeit: Wenn sie ihm nicht bei seiner Arbeit assistierte, malte sie selbst. Er förderte ihr Talent, wo immer möglich.

Mittlerweile haben sich beide auf Mallorca niedergelassen. Ein wichtiger Grund: das Licht. Auf den Balearen wirken Farben anders als im Rheinland. Unbeabsichtigter Nebeneffekt: Der strenge Lockdown auf den Inseln hat dazu beigetragen, dass Iva seit dem letzten Jahr noch konzentrierter arbeiten konnte.

Über die Bilder

Ihre Bilder bestechen durch starke Farben und Kontraste. Jedes ist ein Unikat. Umso schwerer fällt es, darüber zu schreiben.

Iva Todorova arbeitet mit Öl- und Acryl, in einigen Arbeiten spielt sie mit Tusche und Wolle. Manchem fallen erst bei näherem Hinsehen die Gesichter auf, die Hände, die Füße oder ganze Körper, die sich zwischen die farbenfrohen Ornamente fügen – fast als seien sie selbst welche.

Eigene Emotionen, das »weibliche« Erleben der Wirklichkeit und die Suche nach sich selbst spiegeln sich in jedem von Ivas Gemälden.

Die Bilder sind so reich an feinen Details und Iva arbeitet mit solcher Energie, dass unser kurzer Beitrag ihr gar nicht gerecht werden kann. Hier zeigen wir noch fünf Bilder aus jüngster Zeit als Slideshow. Wer mehr sehen möchte, dem empfehlen wir – abgesehen vom Besuch einer hoffentlich bald wieder stattfindenden Ausstellung – unbedingt einen Besuch auf Iva Todorovas Website.

Links

• Iva Todorovas Website
• Iva Todorova auf Instagram

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Nachdem wir Ende August die Wiener Musikerin Anna Anderluh vorgestellt haben, blicken wir heute wieder nach Hessen, genauer gesagt in den Darmstädter Nordbahnhof.

Durch das in die Jahre gekommene Gebäude eilen werktags Arbeiter eines in der Nähe beheimateten Pharma-Konzerns zu Früh- oder Spätschicht – oder von dieser oder jener zurück zum Vorortzug in den Odenwald. Reisende finden eher selten hierher.

Dabei kann  sich der Gang in den denkmalgeschützten Bahnhof lohnen: Wenn der Aufmerksame Glück hat, ist die erste der schweren Brandschutztüren zwischen Kiosk, Paketabholstelle und steilen Treppen geöffnet und erlaubt so den Blick ins Atelier Eva Leitschuhs, einer begabten und überaus sympathischen Künstlerin aus dem drei Bahnstationen entfernten Nieder-Ramstadt.

Eva Leitschuh – Malerin

1962 in Bad Homburg vor der Höhe geboren und in Klaa Paris aufgewachsen (Ortsfremden vielleicht bekannt als Frankfurter Stadtteil Heddernheim), hat sich Eva Leitschuh schon früh durchsetzen können: Wären ihre Eltern schon froh gewesen, wenn sie die Realschule abgeschlossen und sich eine »gute Partie« geangelt hätte, wurde Eva autark und schlug den Weg Richtung Kunst ein.

Sie studierte Visuelle Kommunikation in Mainz und erhielt ein Stipendium des Fulbright-Programms, das ihr zwei Auslandssemester in den U.S.A. ermöglichte. Mit Diplom und guter Mappe unterm Arm fand sie anschließend schnell einen Job in der Werbung, merkte aber bald: Das »… ist nicht so doll, nicht meins …«.

Eine Familienauszeit folgte, bis sie begann, wieder intensiv zu malen, erst mit Acryl, später mit Öl. 2006 mietete sie die Räume im Bahnhof, von denen einer ihr Atelier wurde. Ich bin nicht sicher, ob es der ehemalige Fahrkartenschalter oder der Raum der Gepäckaufgabe ist – auf jeden Fall bietet der hohe Raum mit seinen großen Sprossen-Fenstern nach Osten wunderbares Licht zum Arbeiten – und Platz für Kurse: Eva Leitschuh unterrichtet dort auch Aktzeichnen, Portrait oder Stillleben.

Ihr eigener Stil ist schwer zu beschreiben: Muten manche Arbeiten auf den ersten Blick eher abstrakt an, so erkennt der genauer hinschauende Betrachter doch schnell mehr oder weniger versteckt eingebaute Gegenstände, vielleicht sogar einen Grizzlybären.

Zwischen Heidelberg und Frankfurt ist die freischaffende Künstlerin mittlerweile durch viele Ausstellungen bekannt geworden. Auch ihre Arbeiten verkaufen sich immer besser. Nur ein Tipp: Wenn Ihnen ein Werk gefällt, greifen Sie schnell zu: Es soll schon vorgekommen sein, dass sie mit einem ihrer Bilder nicht mehr so richtig zufrieden war – und bevor die potentielle Käuferin sich melden konnte, war das Werk schon aus einer Laune heraus überarbeitet

Discovery Art Fair Frankfurt

Zum Schluss ein Hinweis: Vom 5. bis zum 7. November 2021 wird die Entdeckermesse für zeitgenössische Kunst in Frankfurt am Main stattfinden. Eva Leitschuh wird mit aktuellen Arbeiten dort vertreten sein.

Links

• Eva Leitschuhs Website
• Eva Leitschuh auf Instagram
• Discovery Art Fair Frankfurt

Unsere Reihe Talent des Monats wird fortgesetzt

Etwa einmal pro Monat werden wir Künstlerinnen und Künstlern eine Plattform bieten. Sollten Sie selbst Interesse haben, hier von uns erwähnt zu werden oder jemanden kennen, von dem Sie glauben, dass wir sie oder ihn fördern sollten, nehmen Sie einfach Kontakt auf. Ganz besonders freuen wir uns immer auch über junge Talente.

Ansprechpartner

E-Mail: armin.briatta@dbbakademie.gmbh
Telefon: +49 173 6549710

mehr über Armin Briatta

Berufserfahrung

• Arbeit mit direktem Kundenkontakt in der Gastronomie
• Arbeit als Fotograf bei gesellschaftlichen Anlässen
• Seit über 20 Jahren freiberuflicher Webdesigner

Aus- und Fortbildungen

• Diplomierter Kommunikationsdesigner Schwerpunkt Fotografie (1987)
• Fortbildung zum Multimediaentwickler (2002)

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In Trautheim haben wir unsere Reihe Talent des Monats mit Noa Briatta begonnen und begaben uns anschließend nach Apolda zu Rüdiger Bahr-Liebeskind. Nun geht es nach Köln: Dort lebt die Bildhauerin, Karikaturistin und Malerin Ute Krafft, die wir getrost ein Multitalent nennen können.

Auch Ute musste erleben, dass geplante und vorbereitete Ausstellungen abgesagt wurden und dass ihre Arbeit schwieriger wurde – gerade ihr aktuelles Projekt »Von Händen und Musikern« kommt nicht ohne direkten Kontakt zu anderen Menschen aus.

Ute Krafft – Multitalent

In den sechziger Jahren in Stein (Dacia) in Siebenbürgen geboren, übersiedelte sie mit Mutter und Geschwistern 1980 nach Westdeutschland. Ihr Vater, evangelischer Pfarrer, hatte der Sozialistischen Republik mit dem strengen Führer Nicolae Ceaușescu schon vorher den Rücken gekehrt.

Für Ute damals ein Glücksfall: Sie schrieb sich in Mönchengladbach für Textil- und Bekleidungstechnik ein, merkte aber schnell, dass ihr Herz für die freie Kunst schlug und wechselte nach Köln, um bei Karl Marx Malerei und bei Hans Karl Burgeff Bildhauerei zu studieren.

Seitdem zeigt sie Können und ihr Gespür für feine Details auf sehr unterschiedliche Art.

Hurra Deutschland

Keine Angst: Hier beginnt kein Lobgesang auf die Republik. Dafür Ute Kraffts Karriere:

Die älteren von uns werden sich noch an die Fernsehserie Hurra Deutschland erinnern, die Ende der achtziger Jahre nach dem Vorbild der britischen Serie Spitting Image deutsche Politiker und Prominente auf die Schippe nahm. Ute Krafft entwarf und baute als Chefbildhauerin der Kölner Firma GUM die Karrikaturen zur Serie, im Auftrag des WDR.

Die Sendung Hurra Deutschland gibt es nicht mehr, die Puppen schon. Im Juli 2020 waren sie noch einmal zu sehen, in der Kölner Lindenstraße (siehe das Foto am Beginn dieser Seite) – derzeit ziehen sie um an einen Ort, der leider noch nicht verraten werden darf

Die WM 2006

Etwas später Geborene mögen sich noch an die Fußball-WM 2006 erinnern, für die Ute im Auftrag der FIFA den sprechenden Fußball Pille entwarf – als ständigen Begleiter des Maskottchens Goleo VI.

Von Händen und Musikern – das aktuelle Projekt

Schon seit ein paar Jahren erzählt Ute Von Händen und Menschen. Unsere Hände sind unsere feinsten Werkzeuge. Sie spiegeln unser Tun – oder unser Nichtstun. Sie werden geformt, während sie selbst formen.

Ute Krafft formt die Hände sehr verschiedener Menschen ab und fertigt Skulpturen daraus, in Gips, manchmal in Bronze. Der Moment, in dem die Menschen ihre Hände in das spezielle Material zum Abformen tauchen, wird auf einem Foto festgehalten.

Im Laufe der Jahre hat sie sich auf Musiker spezialisiert. Auf Von Händen und Menschen folgte Von Händen und Musikern. Hier die Fotos der Band The Regrettes aus Los Angeles, aufgenommen nach ihrem Konzert im Kölner Club Luxor.

Malen

Breit gefächert sind auch auch die Themen, wenn Ute Krafft malt. Um den Artikel hier nicht zu lang werden zu lassen, nur ein Beispiel, der aktuellen Lage gewidmet:

Fazit

Unser kleiner Artikel kann Ute Krafft als Talent des Monats Juli nicht wirklich gerecht werden: Zu vielfältig ist ihre Arbeit, als dass wir sie auf dieser Seite entsprechend präsentieren könnten. Zudem kann Kunst auf Dauer nicht funktionieren, ohne dass Menschen sich begegnen, Künstler*innen ihre Werke zeigen und Besucher*innen sie live erleben können.

Auch wenn das zum großen Teil schon wieder möglich ist: Wer mehr von Ute Krafft sehen will, kann ihre Website besuchen, aktuelle Informationen gibt es auch auf Instagram oder auf facebook

• Website utekrafft.de
• Ute Krafft auf Instagram

Unsere Reihe Talent des Monats wird fortgesetzt

Die Reihe Talent des Monats werden wir fortsetzen: Mindestens einmal pro Monat werden wir Künstlerinnen und Künstlern eine Plattform bieten. Sollten Sie selbst Interesse haben, hier von uns erwähnt zu werden oder jemanden kennen, von dem Sie glauben, dass wir sie oder ihn fördern sollten, nehmen Sie einfach Kontakt auf.

Ansprechpartner

E-Mail: armin.briatta@dbbakademie.gmbh
Telefon: +49 173 6549710

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Berufserfahrung

• Arbeit mit direktem Kundenkontakt in der Gastronomie
• Arbeit als Fotograf bei gesellschaftlichen Anlässen
• Seit über 20 Jahren freiberuflicher Webdesigner

Aus- und Fortbildungen

• Diplomierter Kommunikationsdesigner Schwerpunkt Fotografie (1987)
• Fortbildung zum Multimediaentwickler (2002)

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Im Mai hatten wir einen jungen Nachwuchs-Fotografen aus dem südlichen Hessen vorgestellt, diesmal begeben wir uns weiter nordöstlich ins Nachbarland Thüringen, genauer gesagt nach Apolda.

Auch dort sind den Künstlern seit über einem Jahr fast alle Möglichkeiten genommen, aufzutreten oder ihre Arbeiten vor Publikum zu präsentieren. Auch wenn wir hoffen, dass dies bald wieder möglich sein wird, werden wir unsere Serie Talent des Monats auf jeden Fall fortsetzen.

Rüdiger Bahr-Liebeskind

2004 hat er sein Hobby zum Beruf gemacht und arbeitet seitdem als freischaffender Künstler.

Vor fast fünfzig Jahren in Weimar geboren, wuchs Rüdiger Bahr-Liebeskind 17 km weiter östlich in Apolda auf.

Früh entdeckte er seine Leidenschaft fürs Zeichnen, lernte aber zuerst einen Handwerksberuf: Er wurde Schäftemacher, ein Beruf, der in den letzten Jahrzehnten seltener geworden ist.

Wer sich darunter nichts vorstellen kann: Ein Schäftemacher fertigt Modelle für Schuhoberteile, schneidet diese zu und näht sie schließlich zusammen. Geschickte Hände sind dabei ausdrücklich erwünscht.

Dass er diese hat, beweisen heute Rüdigers künstlerische Arbeiten. Präzise führt er die Linien in seinen Zeichnungen, deren Sujets sehr unterschiedlich sind: Zuweilen huldigt er der weiblichen Natur, dann wieder widmet er sich geometrischen Formen oder der Naturwissenschaft. Über sich selbst sagt er: »Ich lasse mich inspirieren von Newton – manchmal von Isaac, manchmal von Helmut.«

Bis kurz vor Beginn der Pandemie konnte er sein Werke in Einzel- oder Gruppenausstellungen zeigen: in Apolda, Baden-Baden, Glinde (Schleswig-Holstein), Leipzig, Freyburg und Weimar. Über sein Wunschbild-Atelier bietet er sein Können für Auftragsarbeiten an, sei es für Hochzeiten und Geburtstage, für Firmenpräsentationen oder auch für Wappen, Urkunden oder Exlibris.

Hier noch ein paar Arbeiten als Slideshow:

Rüdiger Bahr-Liebeskind zeigt seine Arbeiten auf auf seiner Website Wunschbildatelier. Wer ihn beauftragen möchte, findet dort die notwendigen Kontaktdaten. Außer Zeichnungen fertigt er übrigens Collagen, Fotografien oder Fotoübermalungen.

• zu Rüdiger Bahr-Liebeskinds Website
• zu Rüdiger Bahr-Liebeskinds facebook-Seite

Unsere Reihe Talent des Monats wird fortgesetzt

Die Reihe Talent des Monats werden wir fortsetzen: Etwa einmal pro Monat werden wir Künstlerinnen und Künstlern eine Plattform bieten. Sollten Sie selbst Interesse haben, hier erwähnt zu werden oder jemanden kennen, von dem Sie glauben, dass wir sie oder ihn fördern sollten, nehmen Sie einfach Kontakt auf.

Ansprechpartner

E-Mail: armin.briatta@dbbakademie.gmbh
Telefon: +49 173 6549710

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Berufserfahrung

• Arbeit mit direktem Kundenkontakt in der Gastronomie
• Arbeit als Fotograf bei gesellschaftlichen Anlässen
• Seit über 20 Jahren freiberuflicher Webdesigner

Aus- und Fortbildungen

• Diplomierter Kommunikationsdesigner Schwerpunkt Fotografie (1987)
• Fortbildung zum Multimediaentwickler (2002)

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Beim letzten Treffen der dbb akademie GmbH in Berlin haben wir entschieden, künftig interessante Talente zu fördern. Ganz einfach, indem wir sie vorstellen. Ab heute werden wir dies in regelmäßigen Abständen tun – hier auf unserer Website.

Nicht nur gestandene Musiker, Maler und andere Künstler vermissen seit über einem Jahr die Bühnen, auf denen sie sich präsentieren oder ihre Werke zeigen können. Vor allem Nachwuchs-Talenten fehlen Möglichkeiten, auf sich aufmerksam zu machen, ja überhaupt den ersten Schritt in eine größere Öffentlichkeit zu wagen.

Noa Briatta – Nachwuchs-Fotograf

Deshalb beginnen wir unsere Reihe mit dem 2005 geborenen Noa Briatta aus dem südhessischen Mühltal bei Darmstadt, der nicht nur musikalisch talentiert ist (er spielt Geige), sondern genauso virtuos mit der Kamera umgehen kann.

Mit dreizehn Jahren wählte er als Thema einer Acht-Klassen-Arbeit die Fotografie: Wasserfälle, Vögel, Landschaften, Berge, das Meer und die Milchstraße waren seine Motive, viele eingefangen auf kleineren Ausflügen, auf einer Radtour auf Rügen oder beim Verwandtenbesuch in Norwegen. Heraus kamen eine schöne Serie, zwei großformatige Abzüge und Lob von allen Seiten – sowie ein Set Postkarten, durch dessen Verkauf ein kleiner Teil der entstandenen Kosten gedeckt werden konnte.

Noa ist mittlerweile sechzehn, hat zwei Geburtstage unter Corona-Bedingungen feiern dürfen, und seine Motive sind noch spannender geworden: Städteaufnahmen bei Nacht zum Beispiel. Im Vorfeld konzipierte und durchdachte Aufnahmen mit Langzeitbelichtungen. Und auch hier wieder: Die Reisebeschränkungen machen es nicht einfacher.

Wie man digitale Fotos nachträglich bearbeitet und perfektioniert, hat er sich ebenso selbst beigebracht wie das Fotografieren an sich. Aktuell experimtiert er erfolgreich mit den Tücken analoger Fotografie.

Wir würden uns freuen, wenn wir Noa durch unseren Beitrag unterstützen können. Seine Fotos sind auf seiner eigenen Website zu sehen oder auf seinem Instagram-Account. Wem sie so gut gefallen, dass er das ein oder andere Foto als hochwertigen Abzug erwerben möchte, kann über die Website direkt Kontakt aufnehmen. Auch vom schon erwähnten zehnteiligen Postkartenset sind noch einige übrig – ideal als Geschenk für den kleinen Geldbeutel oder einfach zum selber versenden.

Die Postkarten

Hier neun weitere Motive des Postkartensets als Slideshow:

Schön wäre natürlich, er könnte seine Fotos bald wieder »in echt« zeigen, vor real anwesendem Publikum

• zu Noas Website noabriatta.de
• zu Noas Instagram-Account

Unsere Reihe Talent des Monats wird fortgesetzt

Die Reihe Talent des Monats werden wir fortsetzen: Mindestens einmal pro Monat werden wir Künstlerinnen und Künstlern eine kleine Plattform bieten. Sollten Sie selbst Interesse haben, hier von uns erwähnt zu werden oder jemanden kennen, von dem Sie glauben, dass wir sie oder ihn fördern sollten, nehmen Sie einfach Kontakt auf. Junge Künstler*innen werden wir bevorzugt vorstellen

Webdesign
E-Mail: armin.briatta@dbbakademie.gmbh
Telefon: +49 173 6549710

mehr über Armin Briatta

Als Webdesigner und Fotograf sorgt er mit viel Gespür für Visuelles für eine ansprechende und moderne Gestaltung unserer Website. Und nicht nur das: Aus manchmal komplizierten Vorlagen zaubert er gut verständliche und leicht lesbare Texte, die Lust auf mehr machen!

Seine Kreativität hilft uns, auch auf den ersten Blick trockene Themen für alle interessant und anregend darzustellen. Mit seinen Fotos fügt er dann noch die richtige Prise Emotionalität dazu.

Seine Leidenschaft für Kunst und Musik macht sich vor allem in der Rubrik »Talent des Monats« bemerkbar, in der er mit viel Enthusiasmus ganz besondere Künstler*innen vorstellt.

Sein Arbeitsverständnis: Gute Ideen zügig umsetzen!

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